Minerva 04 | IV ÉPOCA | 2007

Los encuentros y desencuentros entre Imagen y palabra en el campo cultural y artístico centraron las jornadas de este congreso, con el que el CBA quiso acompañar y dar soporte teórico a las exposiciones de Henri Michaux, Jean Arp y Mário Cesariny, artistas todos ellos en cuya obra imagen y palabra muestran una especial relación. Dos de los participantes en el congreso, Charo Crego, experta en estética y teoría del arte, y Javier Arnaldo, conservador del Museo Thyssen-Bornemisza y profesor de historia del arte en la Universidad Complutense, debatieron para Minerva algunas de las declinaciones culturales más relevantes del ensamblaje histórico de estos dos polos.

El 26 de noviembre de 2006 fallecía Mário Cesariny, uno de los mayores poetas en lengua portuguesa, precursor del surrealismo y autor de una obra plástica íntimamente relacionada con su escritura. Pocos días antes de su muerte, se clausuraba la exposición Navío de espejos, con la que el CBA había querido contribuir a paliar el relativo desconocimiento de su producción visual, en la que el collage ocupa una posición destacada. Antonio Lucas, periodista y poeta, nos ofrece un perfil de este personaje imprescindible del siglo XX, que Minerva acompaña con la publicación de un texto escrito por Cesariny en 1975, e inédito en castellano hasta la fecha.

El pasado otoño el CBA albergó la exposición Icebergs, panorámica de la obra del poeta y pintor francés Henri Michaux (1899-1984) que permitió al público madrileño contemplar algunos de sus cuadros, grabados y dibujos, pero también libros, cartas y manuscritos que manifiestan la estrecha vinculación entre su obra pictórica y poética. Belga de nacimiento, parisino de adopción y viajero incansable, sintió la fascinación del surrealismo y, en especial, de Lautremont, De Chirico, Klee y Ernst, a quienes consideró sus maestros. Minerva recupera una entrevista que concedió en 1961 a John Ashbery, poeta norteamericano y crítico de arte que, a lo largo de su trayectoria, ha recibido buena parte de los más importantes premios literarios de Estados Unidos, entre otros, el Pulitzer, el National Book Award y el National Book Critics Circle Award.

El historiador y crítico de la arquitectura William J. R. Curtis, que ha participado en diversas actividades del CBA durante el pasado año, visitó de nuevo nuestra sede en enero de 2007 para presentar la tercera edición de su obra Arquitectura moderna desde 1900, todo un clásico. El arquitecto Juan Miguel Hernández León, presidente del CBA y director de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid, aprovechó su reciente visita para conversar con él acerca de la tarea de la crítica, su valoración de la influyente exposición del MoMA de Nueva York sobre arquitectura española y otros temas relacionados.

El 6 de septiembre de 2006 se presentó en el Teatro Fernando de Rojas del CBA una de las obras cumbres del escritor austriaco Thomas Bernhard: Ritter, Dene, Voss. La obra, dirigida por Rosario Ruiz-Rodgers, fue interpretada por Ana Caleya, Carlos Domingo y Rosa Savoini. Entrevistamos a dos de los actores de esta obra que Bernhard quiso dedicar a los intérpretes que la estrenaron hace ya veinte años.

En 2006 se cumplieron cien años del nacimiento de Samuel Beckett, aniversario que el CBA quiso conmemorar con los ciclos de teatro y conferencias El eco de sus pasos. Minerva recoge las intervenciones de la mesa redonda que puso punto final al ciclo de conferencias, en la que Julián Jiménez Heffernan, profesor de literatura inglesa en la Universidad de Córdoba y coordinador de estas jornadas, Derek Attridge, profesor de literatura inglesa en la Universidad de York, José Antonio Sánchez, catedrático de historia del arte en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, y Manuel Asensi, catedrático de teoría literaria en la Universidad de Valencia, intentaron rastrear las diversas influencias de la producción beckettiana en el campo cultural y artístico en un animado debate. A continuación, Terry Eagleton, profesor de teoría de la cultura en la Universidad de Manchester y autor de numerosos ensayos traducidos al castellano, nos ofrece un perfil poco habitual del autor irlandés.

La conmemoración del inicio de la Guerra Civil tuvo dos momentos centrales en el CBA, sede durante el otoño de dos encuentros de investigadores y expertos en la materia: las Jornadas sobre la Guerra Civil Española, en octubre, organizadas por la Fundación Pablo Iglesias, y el Congreso Internacional sobre la Guerra Civil, en noviembre, promovido por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales. Entre los participantes de ambas reuniones, dos hispanistas de referencia, cuya obra ha marcado los estudios historiográficos desde hace décadas: el británico Paul Preston y el norteamericano Gabriel Jackson.

Samuel Beckett fue un artista con una visión tan amarga de la existencia humana que no sólo se las arregló para nacer un viernes 13, sino que lo hizo, además, en Viernes Santo. Más tarde, aludiría al día de la muerte de Cristo en una inmortal ocurrencia de Esperando a Godot: «De los dos ladrones [del Calvario], uno fue salvado. Es un porcentaje razonable». El calendario de celebración del centenario de Beckett aparece abarrotado de eventos literarios que celebran la vida del pesimista más adorable de la era moderna, la mayor parte de ellos, cabe suponer, rebosantes de charlas acerca de la eterna condición humana que aparece retratada en su obra.

Una semana antes de actuar en el CBA, Lila Downs (Oaxaca 1968) ofreció un concierto en China con un colectivo llamado The Twelve Girls Band, la banda de las doce chicas, agrupación cosmopolita creada para la ocasión con instrumentistas y vocalistas chinas. Allí cantó la «Habanera» de Carmen de Bizet y un aria de Turandot, «Signore escolta», basada en un tema chino. Durante su gira española Lila Downs llamó a diversas vocalistas para que compartieran el escenario con ella: Martirio en Madrid o Marina Rosell en Barcelona, entre otras. Son pinceladas que nos aproximan a una fascinante artista con una carrera atractiva y una voz sensual. Actualmente vive en Nueva York, desde donde realiza giras por todo el mundo.

En octubre, el CBA entregó su Medalla de Oro a Carles Santos, compositor, pianista y creador infatigable en diversos medios y disciplinas. Juan Ángel Vela del Campo, buen conocedor de su obra y su persona, nos ofrece un retrato con el que aproximarnos a este artista de inclasificable perfil.

A lo largo de la historia las distintas sociedades han ido construyendo arquitecturas pensadas, soñadas, escritas, dibujadas; en suma, arquitecturas proyectadas no para ser construidas sino para representar una idea. Los rastros que este imaginario deja en la arquitectura construida y en las convicciones de los arquitectos llegan hasta la actualidad y constituyen el apasionante tema del II Curso de Arquitectura Contemporánea del CBA Arquitecturas legendarias y leyendas de arquitectos. Minerva recoge el coloquio que mantuvieron el director del curso, Delfín Rodríguez, catedrático de historia del arte en la Universidad Complutense de Madrid, y uno de los participantes, Marcello Fagiolo, catedrático de historia de la arquitectura en la Università della Sapienza de Roma y director del Centro di Studi sulla Cultura e l’Immagine de Roma.

El VI Encuentro euromagrebí, celebrado en el CBA el pasado otoño, contó entre sus invitados con el novelista y poeta Tahar Ben Jelloun (Fez, 1944), ganador en 1987 del premio Goncourt de novela con La noche sagrada. Con sus más de quince novelas, sus ensayos y sus colaboraciones habituales en las páginas del diario Le Monde, Ben Jelloun se ha convertido en una de las voces más comprometidas contra el racismo y las interpretaciones simplistas de los problemas de integración cultural.

Cuando, por razones tan aleatorias como el haber nacido el mismo año, se cita a Roberto Rossellini y Luchino Visconti en la misma frase, aparece casi automáticamente el concepto «neorrealismo». Y como todo pensamiento automático, es más problemático de lo que parece. Si bien es cierto que las dos primeras películas neorrealistas fueron Ossessione, de Visconti, y Roma città aperta, de Rossellini, no menos cierto es que, mientras directores y guionistas como De Sica y Zavattini prolongaban y definían las características (ya de por sí muy tenues) del movimiento, las obras de Rossellini y Visconti cada vez encajaban peor en ese patrón.

Minerva recupera algunos fragmentos relevantes de una extensa entrevista que Roberto Rossellini concedió a Adriano Aprà y Maurizio Ponzi para la revista Filmcritica en 1965, dos años después de que el cineasta rodara su última película para el cine y se volcara en las producciones para televisión. En la entrevista, Rossellini repasa algunas de las claves de su visión pedagógica del trabajo creativo.

Quiero haceros una confidencia. Cuando hoy venía desde León, en el tren, empecé a adivinar la posibilidad, que se está cumpliendo, de que en mí ocurriese algo que no es frecuente: que en este caso y en esta casa, la emoción iba a poder conmigo. Sabía que tenía que deciros algo y tuve miedo de mí mismo, de mi posible balbuceo, de la posibilidad de entrar en esa magia, a veces dolorosa, del no saber sabiendo, y de perderme a la hora de las manifestaciones.

En 1963 se estrenaba en los cines El Gatopardo, la magistral adaptación de Luchino Visconti de la novela homónima de Giuseppe Tomassi di Lampedusa, publicada en 1958. El mismo año del estreno de El Gatopardo, la editorial Cappelli publicaba el guión y acompañaba la edición con una conversación entre el cineasta y Antonello Trombadori, periodista y guionista.

Ni el silencio, ni la indiferencia, ni la escritura a contracorriente durante muchos años consiguieron acallar la voz de uno de los poetas más hondos y auténticos que ha dado nuestro idioma. Antonio Gamoneda ha sabido mantenerse fiel a la palabra poética sin escuchar las sirenas de las tendencias de moda ni plegarse a ningún discurso ni grupo dominante. Su independencia y su obra son un ejemplo de integridad, de honestidad con la palabra. Ahora, el tiempo hace justicia, llegan los premios: el Cervantes, el Reina Sofía de Poesía Iberoamericana, la Medalla de Oro del CBA… Algo está cambiando, no todo está perdido, quien lea a Antonio Gamoneda puede comprobar que aún queda espacio para la poesía y quien lo lee lo sabe.

El pasado 27 de octubre, dentro del ciclo Cabaret Círculo, actuó en el CBA Jonathan Richman, el cantautor más simpático de la historia. Richman comenzó su ya larga andadura en el mundo del espectáculo a principios de los años setenta, con el grupo The Modern Lovers, considerados precursores del punk rock. Con el tiempo, Richman se ha ido desplazando hacia un sonido más sosegado, que recoge influencias de muy diversos ámbitos y las combina en un estilo profundamente personal. El periodista musical Víctor Lenore nos ayuda a descifrar su enigmático perfil en cinco claves.