Minerva 08 | IV ÉPOCA | 2008

Si la capacidad de un autor de atravesar épocas y culturas interpelando al lector de forma siempre novedosa puede interpretarse como un signo inequívoco de que nos hallamos ante un «clásico», con Edgar Allan Poe no cabe duda alguna. Desde la inicial admiración de autores como Baudelaire o Pedro Antonio de Alarcón hasta el furor que causa hoy entre los jóvenes góticos, el estudio de la recepción de su obra daría lugar, sin duda, a un ensayo monumental y apasionante. En este artículo, el joven escritor Eduardo Vilas, director de Hotel Kafka, nos avanza algunas de las claves que hacen de Poe un pozo sin fondo del que seguir bebiendo.

La obra de Poe pronto saltó fronteras y cosechó un público ávido de sus narraciones en el extranjero. Rusia no fue una excepción: las primeras traducciones del «Loco Edgar», como allí se le conocía, comenzaron a aparecer en revistas rusas ya a finales de la década de 1830. Uno de los grandes paladines de Poe en Rusia fue Fiodor Dostoievski, que presentó el escritor a sus compatriotas lectores de la revista Wremia en 1861, con ocasión de la publicación de tres de sus narraciones: «El corazón delator», «El gato negro» y «El diablo en el campanario».

A pesar del temprano éxito alcanzado en Europa, durante mucho tiempo Poe no fue profeta en su tierra. A comienzos del siglo XX, la situación había cambiado y el centenario de su nacimiento, en 1909, fue ampliamente celebrado. En este hermoso texto, publicado en The Nation el 16 de enero de 1909, el gran George Bernard Shaw nos ofrece algunas de las claves de la grandeza de la obra de Poe, al tiempo que explica su difícil relación con un país como Estados Unidos y con una civilización como la nuestra.

Pocos géneros musicales han pasado por tantas vicisitudes y altibajos como la rumba catalana. Tantas veces despreciada, y otras tantas reivindicada, su proyección y su influencia sobre la música popular en España es mucho más amplia de lo que a primera vista parece. Sólo recientemente ha empezado la rumba catalana a suscitar el interés de musicólogos, historiadores o antropólogos, como Martí Marfà i Castán, investigador vinculado a la Universidad de Barcelona y al Institut Català d’Antropologia, que rastrea en este artículo la historia del género y su relación con las comunidades de gitanos catalanes.

Ramón Masats, Premio Nacional de Fotografía en 2004, nació en Caldas de Montbui (Barcelona) en 1931. Fue uno de los principales renovadores de la fotografía española en los años cincuenta y, excepto por un intervalo de dieciocho años en los que se dedicó al cine y la realización para televisión, ha seguido fotografiando, exponiendo y publicando hasta la actualidad. En el marco del programa de inmersión en el arte del CBA, un grupo de alumnos de ESO y Bachillerato que visitaron la exposición Momentos estelares: la fotografía en el siglo XX –que incluía dos fotografías de Masats– tuvieron ocasión de plantearle algunas preguntas al fotógrafo. Este es el resultado del intercambio.

No está tan lejana aquella época siniestra, cuando los pocos museos existentes parecían sórdidos almacenes mal equipados, y cuando las escuelas no soñaban con enseñar nada del arte universal. Ni en un sitio ni en otro se mostraban cosas como la fotografía, el cine, o cualquier otra manifestación del arte del presente. Aquel panorama no tiene nada que ver con el de la España actual. Desde finales de los años setenta hasta ahora se han renovado todos los viejos museos, y se han fundado otros muchos, dedicados en su mayoría a la creación contemporánea. Casi todos tienen flamantes departamentos didácticos.

El 23 de noviembre de 2007, el CBA entregaba su Medalla de Oro al compositor, director de orquesta, teórico musical y pedagogo Pierre Boulez (Montbrisson, 1925), uno de los músicos más importantes e influyentes del siglo XX. Discípulo de Olivier Messiaen, Boulez, junto con otros músicos de su generación –Stockhausen, Nono, Berio…– avanzó más allá del dodecafonismo de sus predecesores y, tras alumbrar el serialismo en la década de los cincuenta, ha continuado investigando e innovando y ha sabido mantener en todo momento su radical apertura al presente. Jorge Fernández Guerra, director del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea, y el comentarista musical Juan Ángel Vela del Campo, estuvieron conversando con él.

Cristina Borderías, feminista, historiadora y profesora del Departamento de Historia Contemporánea de la Universidad de Barcelona, ha desarrollado su carrera en el campo de investigación de las relaciones entre el trabajo y la identidad femenina. En particular, ha realizado importantes contribuciones al debate feminista en torno a la importancia del trabajo reproductivo y de cuidados en nuestras sociedades.

Pierre Boulez ha cumplido el pasado marzo 83 años. Cada día que pasa no hace sino crecer e intensificarse su condición de gran patriarca vivo de la música.

El pintor alemán nacionalizado francés Hans Hartung (Leipzig, 1904-Antibes, 1989) fue uno de los precursores del expresionismo abstracto y una de las figuras claves de la pintura gestual. Su personal concepto de exactitud le llevó a componer una obra en la que, tras la apariencia de brochazos rápidos y espontáneos, se oculta un proceso de trabajo de admirable minuciosidad. En este texto, extracto de una extensa conversación que mantuvo Hartung con la periodista Monique Lefebre entre 1974 y 1975, nos habla de sus métodos e instrumentos de creación, del placer de pintar y de su honda atracción por el arte abstracto.

En 1993 Allen Ginsberg (Paterson, New Jersey, 1926-Nueva York 1997), el gran poeta de la Generación Beat norteamericana, visitó el CBA para realizar una emocionante lectura poética que quedaría en el recuerdo de todos los asistentes. Quince años más tarde, el CBA ha recuperado la grabación de aquel recital y la ha editado acompañando a un libro que recoge los poemas que leyó aquella tarde. Minerva publica ahora una de las últimas entrevistas que concedió Ginsberg, acompañada de una nueva introducción de su autor, Steve Silberman, editor de la revista Wired y gran amigo del poeta.

El interés del artista Carlos García-Alix por los movimientos revolucionarios de los años treinta no es nuevo. Tras años de investigación y acumulación de materiales, que han dado lugar a libros y exposiciones –Noticias de Madrigrado, Madrid-Moscú–, su último trabajo se acerca desde el cine a una de las figuras más controvertidas y desconocidas del anarquismo español: Felipe Sandoval, agitador, pistolero, atracador de bancos y finalmente ejecutor durante los primeros meses de la Guerra Civil, un «revolucionario profesional», en palabras del autor. Frente a quienes han querido desvincularlo del movimiento libertario, señalándolo como un incontrolado, García-Alix reflexiona en El honor de las Injurias –película, exposición y libro– sobre el carácter necesariamente violento de la revolución, y la estrategia insurreccional del movimiento anarquista durante la República y la Guerra.

En ocasiones, cuando se habla de Allen Ginsberg y su obra, salen a relucir análisis críticos que lo sitúan como un autor más encumbrado por la proyección mediática y el favor popular que se asocia con los beats que por la relevancia general de su poesía.

Javier Corcobado es uno de los pocos músicos irrenunciables del underground español. A través de distintos proyectos arriesgados, excesivos y siempre apasionados ha ejercido una influencia decisiva sobre varias generaciones de creadores y ha legado un puñado de obras de indiscutible intensidad.

El pasado enero se celebraba en el CBA la jornada de clausura de la IV edición del Congreso Internacional de Arquitectura EURAU 08, dedicada al «Paisaje cultural», con las intervenciones de Peter Eisenman y Dominique Perrault. Junto a ellos estuvo el también arquitecto Luis Fernández-Galiano, catedrático de Proyectos de la Escuela de Arquitectura de Madrid, director de la revista Arquitectura Viva y uno de los mayores críticos de arquitectura de nuestro país. En este artículo, explora la diversa relación que mantienen la obra de Eisenman y Perrault con la historia y el entorno físico.

Inspirada en los escritos de Nicholas Georgescu-Roegen, Karl Polanyi y Karl William Kapp, entre otros, la economía ecológica es una nueva disciplina en cuyo campo conceptual se relacionan economía, física, política, ecología, geografía, ética y sociología. Su enfoque de los fenómenos económicos aspira a ser más complejo y realista que el de la economía de corte neoclásico que se enseña mayoritariamente en las universidades y guía las políticas económicas a nivel global. Para descubrir en qué consiste, hemos hablado con dos de sus representantes más destacados: Jordi Roca, catedrático de Fundamentos del Análisis Económico de la Universidad de Barcelona, y Federico Aguilera Klink, catedrático de Economía Aplicada en la Universidad de La Laguna y Premio Nacional de Economía y Medio Ambiente en 2004.

El arquitecto y urbanista Dominique Perrault (Clermont-Ferrand, Francia, 1953) abrió su estudio de arquitectura en París en 1981 y, desde entonces, ha adquirido renombre internacional al ganar algunos de los principales concursos arquitectónicos convocados en Europa. En estos momentos, desarrolla diversos proyectos en España, entre ellos el Centro Olímpico de Tenis de Madrid –conocido como La Caja Mágica– o la remodelación de la Playa de las Teresitas, en Santa Cruz de Tenerife, que le sirvió de ejemplo durante su conferencia en el congreso EURAU 08 para reflexionar sobre la importancia de la escala intermedia entre el edificio y el paisaje.

En el marco del Proxecto-Edición, un intento multidisciplinar de ir más allá de los formatos expositivos habituales, la artista María Ruido (Ourense, 1967) presentó en el CBA La escena del crimen, una instalación audiovisual que recorre algunos escenarios de guerra y analiza la turistización de los lugares de memoria. La obra constituye la primera parte de un trabajo aún en progreso titulado Plan Rosebud: sobre documentalidades, lugares y políticas de memoria, en el que la influencia de Walter Benjamin es palpable y con el que María Ruido pretende, según sus palabras, «evidenciar la calidad constructiva de los discursos; exponer la complejidad de los fragmentos que conforman las memorias; reflexionar sobre la distancia que existe entre relatos de memoria y narrativas históricas, a veces superpuestas o confusamente solapadas»

Fátima Miranda y Llorenç Barber son dos personajes especiales. Su imparable actividad y su afán por ir siempre más allá los convierte en artistas a los que se puede seguir durante toda una vida sin que nunca dejen de asombrar. Sus trayectorias, unidas durante largo tiempo –desde la génesis de la música experimental en España, allá por los años setenta–, volvieron a encontrarse en la sección musical de Escena Contemporánea, VIII Festival Alternativo de las Artes Escénicas, el pasado mes de enero. El periodista y crítico José Manuel Costa, uno de sus más fieles seguidores, conversó con ellos.

Phill Niblock (Anderson, Indiana, 1933) es el músico minimalista que nunca salió en la foto. Su nombre rara vez figura en los textos que hablan de los más aplaudidos Philip Glass, Steve Reich o Terry Riley, a pesar de que se le reconoce un papel importante dentro del minimalismo norteamericano surgido en los sesenta. ¿Las razones? Su desprecio absoluto por las estructuras musicales y cuarenta años de trabajo con sonidos puros. Con Niblock el minimalismo no ha perdido un ápice de su significado: el sonido como expresión mínima, como potencia que en cuanto se ordena pierde sentido. No es de extrañar que su nombre haya sido relegado a los márgenes de la música contemporánea ni que los músicos ruidistas se peguen por trabajar con él.

«Todo lo que el hombre de genio demanda para exaltarse es materia espiritual en movimiento. No le interesa hacia dónde tiende el movimiento –sea a su favor o en contra–, y la materia en sí carece por completo de importancia», dice Edgar Allan Poe en una de sus «Moralia». El término «materia espiritual en movimiento» –contradictorio en sí mismo, enriquecido por la colisión irremediable de sus miembros– define en su ambigüedad la difícilmente aherrojable figura de Edgar Allan Poe. Su impulso, el del hombre de genio, supuso un aliento imprescindible –a través, sobre todo, de la influencia que ejerciera sobre los poetas simbolistas franceses– en los albores de la modernidad. En su propio contexto, dicho impulso se le manifestó casi siempre en contra –baste con recordar la penosa vida de Poe, y las insoslayables dificultades materiales y personales que se le presentaron para llevar a cabo lo que él consideraba su tarea–. O con fijarnos, como ya hiciera Baudelaire, en su casi absurdo final: tomado por mendigo y emborrachado en plena campaña electoral con la intención de comprar su voto. Una de las mentes más lúcidas del siglo se apaga, tendida en una cuneta, sin conciencia ya. Un final que une –en palabras del poeta francés, y como por otra parte todas las muertes– horror y trivialidad.

A su favor o en su contra. Poe, como el mismo Baudelaire, no deja indiferente. Encendidos defensores, pero también detractores enconados, como Henry James, quien afirmara que «mostrar entusiasmo por Poe es señal de un decididamente primitivo estado de reflexión». O Robert Louis Stevenson, quien le consideraba impelido por «un deseo demasiado imperioso por el sensacionalismo literario».

En el presente dossier tendremos oportunidad de leer las elogiosas opiniones, vertidas por primera vez al castellano, de dos escritores tan dispares como Dostoievski y George Bernard Shaw acerca de Edgar Allan Poe. Eduardo Vilas, por su parte, analiza en su artículo «Diez dólares para Poe» algunos de los posos que Poe ha ido dejando a lo largo del tiempo en poetas, literatos y músicos, y apunta algunas claves interpretativas de su obra, dejando constancia de la vigencia del escritor en nuestros días.

Guillem Martínez (Cerdanyola del Vallès, Barcelona, 1965) es periodista y guionista de televisión. Su programa Polònia, emitido en TV3, ganó en 2007 los premios Ondas y ACT. Desde 1996 publica de forma regular en el diario El País, ha colaborado en medios como Interviú, Tiempo o Playboy y en su sitio web, www.guillemmartinez.com, lleva más de dos años analizando con implacable lucidez la cultura española en tiempo real.