Minerva 13 | IV ÉPOCA | 2010

Judith Butler ha desempeñado un papel esencial en el auge de los estudios de género y su conquista de un espacio preeminente en la vida cultural, académica y social. Siguiendo la mejor tradición filosófica, sus textos han cuestionado muchas de nuestras certezas cotidianas acerca de la identidad personal o la construcción del género. Butler, catedrática de la Universidad de Berkeley, es la autora de una obra teórica profunda y políticamente desafiante que dialoga fructífera y críticamente con el feminismo clásico y que la ha convertido en una de las académicas más conocidas de nuestro tiempo.

El utopismo y su correlato, la pesadilla distópica, son elementos medulares del Zeitgeist moderno de cuya herencia nuestro presente no ha logrado sustraerse. El CBA ha propuesto una intervención multidisciplinar en torno a este tema que atraviesa buena parte de la programación de 2010 y 2011 con la colaboración de instituciones como la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales y el Parque de las Ciencias de Granada. Utopía-contra-utopía, título genérico de este programa coordinado por Juan Calatrava, incluye exposiciones, congresos, ciclos de cine y ediciones. Como anticipo, recuperamos una utopía musical inédita en castellano de Hector Berlioz (1803-1869).

La filósofa y profesora de retórica y literatura comparada de la Universidad de Berkeley Judith Butler ha realizado indudables y reconocidos avances en el ámbito del feminismo, la teoría queer y la filosofía política. A través de un diálogo crítico con autoras feministas como Simone de Beauvoir, ligadas al modelo de la Ilustración, Butler defiende y desarrolla en su obra la idea de que no es posible distinguir sexo y género, ya que existen tan sólo cuerpos construidos culturalmente, sin posibilidad de acceso a lo natural. En el siguiente artículo trata el tema del transgénero y del movimiento de rebeldía y negación que implica en ocasiones la adquisición de una identidad.

El realizador Wim Wenders (Düsseldorf, 1945) es una de las más influyentes figuras del cine europeo contemporáneo. Su carrera cinematográfica, que comenzó con El miedo del portero ante el penalti –basada en la novela de su amigo y colaborador Peter Handke–, ha dejado una huella imborrable en nuestras retinas con películas tan representativas como El amigo americano (1978), París, Texas (1984) o El cielo sobre Berlín (1987), por las que ha obtenido premios internacionales –el León de Oro de Venecia, o la Palma de Oro de Cannes, entre otros muchos– y el unánime apoyo de público y crítica. A finales de 2009, la exposición Como si fuera la última vez reunió en el CBA las fotografías de Wim y Donata Wenders. A continuación, presentamos por primera vez en castellano un breve ensayo del propio Wenders acerca de la difícil pero satisfactoria colaboración en la que sería la última película de un Antonioni anciano y enfermo: Más allá de las nubes. También recogemos las impresiones acerca del cineasta alemán de dos de sus mejores amigos y colaboradores, Peter Handke y Sam Shepard, así como de su esposa Donata Wenders, directora de fotografía de sus películas que, además, es la autora de las fotografías que acompañan los textos. El dossier se completa con un artículo de la poeta Sandra Santana, traductora de los poemas de Peter Handke, acerca de la fructífera colaboración de este último con Wenders.

Después de diez años sin rodar, a los ochenta y tres años de edad, con problemas de memoria y privado casi por completo del habla, Michelangelo Antonioni emprende en 1995 la que sería su última aventura cinematográfica: Más allá de las nubes. Wim Wenders, gran admirador de su obra, se ofreció como garantía ante las compañías aseguradoras –que se negaban a cubrir una película dirigida por un cineasta enfermo–, con el cometido adicional de dotar de un marco narrativo a los cuatro episodios de los que consta el film. Minerva recoge las impresiones del realizador alemán acerca de aquel difícil rodaje, que –pese a las tensiones– muestran el tesón inquebrantable de Antonioni y la generosidad de Wenders.

Verano de 1992. Primer día en el plató de ¡Tan lejos, tan cerca! El equipo se prepara concienzudamente para el rodaje: cámaras, luces, vestuario, maquillaje, sonido… En medio del silencio que nos rodeaba a esa primera hora de la mañana, escuché unos acordes de música rock que atravesaban atronadoramente las calles del antiguo Berlín oriental.

La historia de París, Texas comenzó con nuestro encuentro para Hammett. En principio, Wim quería que trabajara en el guión. Yo no quería hacerlo, no me gusta escribir guiones a cuenta de una productora, de alguna manera me da la sensación de estar trabajando a comisión. Por lo que rechacé la oferta.

La primera colaboración entre Wim Wenders y Peter Handke se remonta a 1969. Consistió en un corto de 12 minutos rodado en 16mm en el que ambos conversaban acerca de la influencia de la música rock americana en Europa. Esta película, 3 american LP´s, nunca llegó a exhibirse, sin embargo, el diálogo entre estos dos autores se ha prolongado a lo largo del tiempo. Tres fueron, a partir de aquella temprana colaboración, los proyectos en los que Wenders y Handke trabajaron juntos: El miedo del portero ante el penalti (1972), Falso movimiento (1975) y El cielo sobre Berlín (1987).

Durante los meses de verano, el CBA albergó la exposición, coorganizada por el DDI, Sueños de un grifo. Diseño con alma de agua dedicada a analizar la función que desempeñan distintos objetos como interlocutores de la relación del ser humano con el agua. El siguiente texto del filósofo e historiador Peter Bürger se adentra en algunas de las problemáticas medioambientales contemporáneas relacionadas con el agua a través de importantes hitos del pensamiento literario y filosófico moderno.

Premio Nacional de Poesía en 2007 y una de las voces más sólidas y reconocibles de la poesía española contemporánea, Olvido García Valdés (Santianes de Pravia, 1950) es autora de poemas memorables, recogidos en diversas antologías como La prueba del nueve (1994), Ellas tienen la palabra (1997) o Las ínsulas extrañas (2002) y traducidos al francés, al inglés, al alemán, al sueco y al portugués. Codirectora de la veterana revista Los infolios, ha sido asimismo cofundadora de El signo del gorrión y directora del Instituto Cervantes de Toulouse.

Libro a libro, Eduardo Galeano (Montevideo, 1940) ha ido completando un exigente recorrido por la memoria y la desmemoria de nuestro tiempo que combina la literatura más rica con un afilado y nada autocomplaciente sentido de la crítica social. Su obra escapa a cualquier clasificación, es un mosaico de ensayo, narrativa, periodismo y poesía cuyas teselas son cientos de personajes unidos por historias de traiciones, guerras, amores, injusticias, abrazos, olvidos, genocidios y cenizas. En septiembre Galeano recibió la Medalla de Oro del CBA.

La publicación en 1985 del Manifiesto ciborg, de Donna Haraway, tuvo un efecto explosivo en los estudios de ciencia, tecnología y sociedad. Sirvió como catalizador de una ruptura definitiva y largamente augurada con los estudios de historia y filosofía y de la ciencia tradicionales y supuso una apertura a territorios conceptuales novedosos, en los que se entreveraban la informática, la filosofía, la teoría literaria, la semiótica o la ciencia ficción. Chris H. Gray, Heidi Sarriera-Figueroa y Steven Mentor, autores de The Cyborg Handbook, repasan en este coloquio moderado por Ángel Gordo e Igor Sádaba la evolución de este campo de estudios.

En abril de 1961, Yves Klein visita por primera vez Nueva York, donde se exponen sus monocromos azules IKB (International Klein Blue) y sus esculturas esponja en la galería de Leo Castelli. En compañía de Rotraut, su esposa, reside dos meses en el Hotel Chelsea, donde redacta este Manifiesto. Se trata de un escrito fundamental en la bibliografía de Klein que ofrece una suerte de balance de su trayectoria a tan sólo unos meses de su muerte. Se publicó por primera vez en 1962, en el catálogo de la exposición Yves Klein de la galería Lolas de Nueva York. Klein lo redactó directamente en inglés con la ayuda de Neil Levine y John Archambault con el objeto de hacerse entender mejor por parte del público americano, estableciendo de la forma más exacta posible algunas de sus orientaciones artísticas esenciales.

El pasado 20 de abril Gérard Mortier (Gante, 1943) recibió la Medalla de Oro del CBA y meses después intervenía en la Escuela de las Artes. A lo largo de las últimas tres décadas, Mortier ha revolucionado el mundo de la ópera, con planteamientos tan innovadores como rigurosos. Entre 1981 y 1991 se hizo cargo de la dirección del Teatro La Monnaie de Bruselas, una ópera casi desconocida que convirtió en un referente internacional. Posteriormente, transformó el Festival de Salzburgo (1991-2001) con montajes audaces, polémicos y siempre memorables para, a continuación, fundar y dirigir la Trienal del Rühr (2002-2004), un festival que propone intervenciones artísticas sobre el patrimonio industrial de la zona. Después de dirigir la Ópera Nacional de París (2004-2009), en 2010 ocupará el puesto de director artístico del Teatro Real de Madrid. Tras la entrega del galardón del CBA, el crítico musical Juan Ángel Vela del Campo mantuvo un diálogo con Gérard Mortier en el que se repasó su trayectoria a partir de distintas declaraciones publicadas en los medios de comunicación.

El conocido historiador y crítico de arte contemporáneo Yve-Alain Bois (1952, Constantine, Argelia) traza en este esclarecedor artículo una semblanza del complejo gesto artístico elaborado y ejecutado por Yves Klein, quien logró en muy pocos años configurar una obra de actualidad radical, consiguiendo «deshinchar el espectáculo de la industria cultural mediante una farsa aún mayor».

La Fura dels Baus es uno de los grupos teatrales españoles más reconocibles y originales. Ha desarrollado un lenguaje escénico singular basado en el impacto visual y en la interacción con el público que aúna diferentes disciplinas artísticas mediante la incorporación de espacios industriales, música y nuevas tecnologías. Su incursión en el mundo de la ópera ha roto esquemas en un ámbito que tiende al clasicismo. Àlex Ollé es miembro fundador de La Fura dels Baus, Franc Aleu, videoartista, colabora habitualmente con la compañía catalana.

En 1951 tiene lugar la primera de las dos estancias de Yves Klein en Madrid. Como en cada uno de sus viajes por el mundo, Klein redacta un diario pormenorizado de sus actividades entre el 18 de febrero y el 26 de junio de ese año. Escrito directamente en castellano –con la excepción de las entradas que reproducimos en cursiva, en francés en el original– y corregido por un vecino de la pensión en la que residía, Klein describe en él su vida cotidiana, especialmente centrada en aquellos meses en las clases de francés, judo y filosofía. Además de retratar, a veces con un tono mordaz, la sociedad madrileña, este manuscrito inédito, procedente del archivo que lleva su nombre, ofrece una visión intimista de las aspiraciones artísticas de Yves Klein. Los fragmentos aquí seleccionados ponen de manifiesto los inicios de su reflexión sobre el color y la gestación de la aventura pictórica del monocromo. Durante su segunda estancia en Madrid, en 1954, esas reflexiones le llevarán a su primera obra presentada públicamente bajo la forma de un catálogo titulado Yves: Peintures. Esta obra conceptual tiene un estatus singular, pues consiste en una serie de diez monocromos que proponen al espectador la ilusión de una reproducción de una obra ya existente. En realidad, los monocromos publicados en Madrid se expondrán al año siguiente en París, inaugurando así lo que más tarde el artista denominará una «epopeya monocroma», llamada a convertirse en una obra mayor del siglo XX.

El curso «El humanismo de la ópera: certezas y utopías» no fue multitudinario en cuanto a número de asistentes pero sí intensísimo en cuanto a concentración y participación de un alumnado con altas cotas de curiosidad por las diferentes cuestiones que se propusieron.

Frederick Wiseman (Boston, 1935) es uno de los fundadores del documental moderno. Ha rodado más de treinta películas sobre el funcionamiento de las instituciones públicas estadounidenses –colegios, cárceles, hospitales, psiquiátricos…– asociadas a la corriente del cine directo o cinéma verité, aunque Wiseman no se siente cómodo con esa etiqueta: no cree en la objetividad y dice que sus filmes tienen «estructura dramática». Desde que debutó en 1967 con la controvertida Titicut Follies, Wiseman ha producido todas sus películas, emitidas en la televisión pública estadounidense (PBS), una de las principales fuentes de financiación de sus proyectos. Invitado por el Festival Internacional de Documental de Madrid, Wiseman pasó por el Cine Estudio del CBA para dar una clase magistral a un grupo de alumnos de cine. Más tarde, Minerva le entrevistó para repasar algunas claves de su filmografía. El siguiente texto es un extracto de algunas de las declaraciones hechas por Wiseman durante la charla y la entrevista.

John Banville (Wexford, Irlanda, 1945) se ha convertido sigilosamente en uno de los pesos pesados de las letras anglosajonas, con un elenco de novelas marcadas por una prosa precisa y un abanico temático complejo y exigente. A pesar de su larga trayectoria –las primeras traducciones al castellano de sus obras se remontan a los años ochenta–, su popularidad internacional se ha multiplicado gracias a la concesión del Booker Prize en 2005 y, sobre todo, a su serie de novelas negras ambientadas en el Dublín de los años cincuenta y firmadas con el seudónimo de Benjamin Black. En julio, Banville visitó el CBA para mantener un diálogo con el escritor Rodrigo Fresán.

Toda la obra poética de Eduardo Scala publicada –que él engloba bajo el título genérico de Cántico de la Unidad– es continuadora de «La Mata Escrita» de Ramón Llull. Todos ellos son –a decir de su autor– poemas-rizomas, místicos, alquímicos, filosóficos, matemáticos, teológicos, científicos y mágicos. POE+, como máquinas del espíritu –al igual que las contenidas en el Ars Magna luliana, que incluía sistemas de discos cabalísticos, concéntricos, superpuestos, giratorios, sostenidos por un fino nudo de cáñamo–, minimalistas, destinados a nombrar (numerar) la Totalidad. POE+ basados en la escala mística de Llull, en la gravedad, el arte permutatorio o la sincronicidad: Geometría del éxtasis/razón de ser-pentinas (1974), SOLUNA (1977 y 1993), Círculo (1979), Cuaderno de Agua (1984), Génesis (1987), Genomatría (1987), Ochografías (1989), Libro del infinito (1993), Libro de la Palabra de las palabras (1997), Pájaros-aros (1998), Libro de Arista (2000), Re/tratos (2000), Ars Magenta (2001), Cuaderno de Luz (2002), LAVS DEO (2004), El Hilo del Destino (2005), GER-UN-DIOS (2005), S se Amor/32 POE+ Sinfín (2005), CIELOLEUS (2006), POE+ Edificios (2007), NADA/Variaciones (2007) y Cópulas (2009).