Minerva 16 | IV ÉPOCA | 2011

El poeta, ensayista y experto en tipografía Robert Bringhurst (Los Ángeles, California, 1946) –ampliamente conocido como estudioso de las culturas nativas de la costa del Pacífico en Norteamérica, y en particular de la poesía oral y el arte totémico de la comunidad Haida– desgrana en este artículo los motivos por los que, en un mundo dominado por las nuevas tecnologías y por los medios de mecanización de la lengua, el legado literario de las culturas nativas norteamericanas –y el de los narradores orales, en general– resulta prácticamente invisible, a diferencia de lo que ocurre, por ejemplo, con las artes plásticas, resaltando además la enorme riqueza de este tipo de literatura y su vigencia en el contexto de la literatura universal.

El novelista, ensayista, poeta, traductor e hispanista Cees Nooteboom (La Haya, 1933) es uno de los más destacados escritores de Europa. En sus libros expresa su voluntad europeísta y cosmopolita, y una gran curiosidad y apertura para conocer y entender las diferentes caras del gran prisma facetado que es la humanidad. Comenzando en su infancia, con frecuentes cambios de colegio, su enorme movilidad le lleva a entender diferentes modos de vida de muy diversas culturas, abandonando incluso su primer trabajo para realizar un viaje por Europa, tras el cual escribe el libro Philip y los otros, publicado en 1957 y galardonado con el Premio Ana Frank. Así, sus libros están ambientados en múltiples escenarios: la novela Mokusei en Japón, Perdido en el paraíso en Sa˜ o Paulo, y El desvío a Santiago en España, país por el que siente una especial afinidad, y en el que pasa varios meses al año desde hace décadas, en su casa de Menorca. Además de sus nominaciones al Premio Nobel de Literatura, ha recibido el Grinzane Cavour de Narrativa, el Premio Internacional de las Letras –concedido por la Fundación Cristóbal Gabarrón–, el Premio Bordewijz, el Premio Pegaso de Literatura y la Medalla de Oro del CBA.

Con la I Muestra de Arte Joven, en 1985, nacía un programa de apoyo a la creación artística en España con el objetivo de dar a conocer nuevas líneas de trabajo e introducir a sus autores en los circuitos especializados. No tardó en convertirse en una de las principales citas del arte emergente español. Después de veinticinco años, muchos de los galardonados en sus distintas ediciones son ahora artistas consagrados, con una singular y sólida trayectoria. Con motivo de la exposición 25 años de Creación Injuve, inaugurada simultáneamente en el CBA y en la Antigua Fábrica de Tabacos de Madrid, hemos planteado un cuestionario común a seis de ellos: Daniel Canogar, Pello Irazu, Diana Larrea, Antón Patiño, El Perro y Eulalia Valldosera.

La concesión en 2009 del Premio Nobel de Literatura a la novelista, poeta y ensayista Herta Müller, dio a conocer al gran público la obra de esta autora rumana. Casi diez años antes, Müller pronunció una conferencia en el CBA en el marco del ciclo «Escritoras de Fin de Siglo», dirigido por Mercedes Monmany. En esta intervención, que ahora recupera Minerva, Müller repasa algunos elementos esenciales de su escritura, como las duras condiciones de su país natal bajo el régimen de Ceaucescu o el grave deterioro que cualquier dictadura causa en las relaciones humanas.

Paulino Viota (Santander, 1948) se inició de forma autodidacta en el mundo del cine. En los años setenta desarrolló una obra atípica y arriesgada, muy reveladora de la metamorfosis de una sociedad que viraba lentamente hacia la democracia. En verano de 1966 rueda, monta y sonoriza Las Ferias. En 1970 dirige y produce la pieza breve Duración, y su película más emblemática, Contactos. Su siguiente película, Con uñas y dientes, data de 1972. La última, hasta la fecha, es Cuerpo a cuerpo, de 1982. Desde entonces, se dedica a la docencia y a la crítica, pero su breve filmografía sigue siendo un punto de referencia para el cine más innovador y reflexivo: «El cine, el arte en general, es ante todo producto de una revelación», afirma Viota.

Horacio Coppola (Buenos Aires, 1906), posiblemente el fotógrafo argentino más relevante del siglo pasado, fue además el primero en realizar la peregrinación iniciática común a numerosos artistas plásticos argentinos desde finales del siglo XIX. Coppola, pionero de la fotografía de vanguardia en Argentina y uno de los artistas que mejor ha retratado la ciudad de Buenos Aires, realizó en 1930 y 1931 dos viajes a Europa cruciales en su formación artística y que influyeron en su vocación moderna que desarrolló a su regreso a América.

Artículo del estudioso del cine Manuel Asín en torno al realizador cántabro Paulino Viota (Santander, 1948). A través de diferentes entradas geográficas y temporales (Barcelona 2003, Madrid, 1969 y mediados de los ochenta, Arganda del Rey, verano de 1977…), Asín se adentra en el singular mundo de sus películas, y también en la peculiar y estrecha relación de Viota con su gran pasión: el cine.

Fredric Jameson es responsable de algunas de las contribuciones a la teoría de la cultura más importantes de las últimas décadas y sus obras constituyen un legado indispensable para el pensamiento contemporáneo. Aunque es un referente internacional en el ámbito de los estudios literarios, se ha ocupado también del cine, la arquitectura, la pintura o la cultura popular. Jameson es, además, uno de los principales renovadores de la teoría marxista, un campo en el que ha propuesto análisis de largo alcance acerca de las conexiones socioeconómicas de distintos procesos culturales. En la actualidad, es profesor en la Universidad de Duke (EE UU).

La exposición Gerda Taro / This is war! Robert Capa at work reunió fotografías realizadas por Robert Capa en los conflictos que cubrió como reportero de guerra, junto con imágenes tomadas durante la Guerra Civil española por Gerda Taro, su compañera sentimental. Capa y Taro –cuyos verdaderos nombres eran Endre Friedmann y Gerta Pohorylle– se encontraron en París, donde urdieron un subterfugio que les iba a permitir comercializar mejor sus fotos. De esta manera surgió el nombre de Robert Capa, un supuesto fotógrafo norteamericano del que Endre y Gerta se decían sus representantes. Así, en un primer momento, las fotografías que vendían bajo este seudónimo eran indistintamente de uno u otro, aunque más adelante Friedmann se quedó con el nombre por el que sería internacionalmente conocido como uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX.

La Guerra Civil española marca de forma definitiva sus vidas. Ambos acuden en 1936 a cubrir el conflicto, publicando sus imágenes en revistas como Vu o Regreds. La dedicación a su trabajo se salda con la temprana desaparición de Taro, arrollada por un tanque en el frente de Brunete. Capa permaneció en España hasta la retirada final en Cataluña, y más tarde entregó al mundo imágenes de los principales escenarios bélicos de Europa durante la II Guerra Mundial. Años más tarde, Capa pierde la vida en la Guerra de Indochina, víctima quizá de su propia máxima: «Si tus fotos no son buenas es que no te has acercado lo suficiente».

Minerva brinda ahora desde sus páginas un homenaje a ambos fotógrafos y a la labor de los reporteros de guerra. Para ello, hemos invitado a comentar algunas de las instantáneas de Capa y Taro a seis corresponsales de guerra: Gervasio Sánchez, Alfonso Armada, Guillaume Fourmont, Miguel-Anxo Murado, Carlos Enrique Bayo y Guillermo Altares.

Toda exposición es una construcción cultural, un dispositivo que impone a los individuos todo su peso de reglas, procesos de subjetivación e instituciones a través de un poder exterior, pero también de un modo interiorizado, por medio del sistema de creencias y sentimientos. Es un mecanismo que no sólo representa el poder, sino que constituye el poder en sí mismo. En la actualidad, los dispositivos y procesos de subjetivación se han multiplicado de un modo exponencial. Las exposiciones forman parte integral de los mismos y, como ellos, parecen servir más para reproducir el statu quo que para cambiarlo. La exposición es hoy una forma privilegiada de conocimiento y relación, y su estudio se hace, por consiguiente, más pertinente que nunca.

En el contexto de la Escuela de las Artes 2010, el curso La exposición como dispositivo –dirigido por Manuel Borja-Villel, director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía– estuvo dedicado a analizar algunos de los dilemas y núcleos de sentido que atraviesan los discursos museológicos contemporáneos. Filósofos, artistas, comisarios y críticos –como George Didi-Huberman y Antoni Muntadas, cuyas intervenciones se incluyen en este dossier– propusieron herramientas conceptuales para realizar una reflexión crítica sobre las exposiciones de arte.

Desde los años ochenta, Mauro Entrialgo (Vitoria, 1965) retrata con humor la realidad que nos rodea. Es el creador de personajes ya clásicos como Herminio Bolaextra, plumilla del diario sensacionalista El Caos. Compagina los fanzines más ignotos con las publicaciones de gran tirada. No tiene miedo al chiste grueso y su principal objetivo es exponer las inercias y artificios de nuestras relaciones sociales, ya sea el fetichismo tecnológico, los rituales cotidianos más absurdos o el cansino ambiente de las tendencias de moda. Su trabajo no se limita al mundo del cómic, ya que ha participado en aventuras musicales, de cine, teatro o publicidad.

Georges Didi-Huberman, profesor en la École des Hautes Études en Sciences Sociales, es uno de los pensadores europeos más influyentes de nuestro tiempo. Desde la perspectiva de la historia del arte ha propuesto una crítica de la constitución estética de la contemporaneidad que toma como punto de partida la tradición hermenéutica de autores como Nietzsche, Freud o Benjamin. El texto que reproducimos a continuación es la transcripción de los comentarios que Didi-Huberman realizó en la Escuela de las Artes 2010 en torno a su actividad como comisario de exposiciones utilizando como hilo conductor cuatro conceptos clave: «dialéctica», «producción», «denkraum» y «ensayo».

La obra de Antoni Muntadas (Barcelona, 1942), internacionalmente conocida, se basa en el uso de las tecnologías audiovisuales en relación a distintos fenómenos sociales y constituye una reivindicación de la metodología del proyecto. Ha realizado múltiples exposiciones en importantes centros artísticos como el Museo Guggenheim y el MoMA de Nueva York, la Bienal de Venecia, el MACBA o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y ha recibido el Premio Nacional de Artes Plásticas en 2005 y el Premio Velázquez de Artes Plásticas en 2009. El siguiente texto es la transcripción de los comentarios que Muntadas realizó en la Escuela de las Artes 2010 en torno a tres de sus obras y de una conversación con Juan Sebastián Cárdenas.

«Estamos viviendo en un mundo traducido a través de filtros políticos económicos, sociales y culturales», declaró en alguna ocasión Antoni Muntadas. La frase revela, si es que no constituye, el horizonte de las preocupaciones del artista, cuya prolongada trayectoria parece girar siempre en torno a las infinitas variaciones del concepto de traducción. Con todo, desde sus primeros proyectos realizados en los años ochenta (Media Eyes, Stadium, The Board Room), donde ya plantea y problematiza los mecanismos y posibles efectos de la implementación de dichos «filtros», hasta sus obras más recientes (The File Room, On Translation), el juego de las traducciones se ha ido deslizando desde las reflexión más formal sobre tecnología y los medios, hacia lo que podríamos describir como una puesta en escena de las manifestaciones concretas de las filtraciones: modelos económicos, sociales y políticos que producen efectos reales en las diversas comunidades en las que pone en marcha los proyectos, con sus numerosas versiones y secuelas.

El politólogo Sami Naïr ha desarrollado una labor irremplazable en el campo del estudio de los movimientos migratorios como característica esencial de la globalización. Sus intervenciones se caracterizan por una crítica rigurosa tanto de la intolerancia cultural como de la celebración paternalista de la diversidad. Asesor del gobierno de Lionel Jospin y europarlamentario hasta 2004, Naïr es vicepresidente de Movimiento de los Ciudadanos y ha sido profesor invitado en numerosas universidades de todo el mundo.

Manuel Vicent es un escritor clave de la literatura española reciente. Su trabajo narrativo utiliza la memoria personal como herramienta, haciendo saltar por los aires las fronteras entre realidad y ficción, recuerdo e imaginación. Al mismo tiempo, Vicent ha desarrollado una labor periodística profundamente renovadora, lúcida y libre. La historia política y cultural de las últimas décadas sería incomprensible sin algunas de sus crónicas y reflexiones. En 2010 recibió la Medalla de Oro del CBA y, tras la ceremonia de entrega, mantuvo una conversación con los también periodistas Juan Cruz y Ángel Sánchez Harguindey.

En Estados Unidos y Canadá existen casi un centenar de lenguas nativas en las que se conservan transcritas obras de literatura oral. Sin la frágil conjunción de grandes narradores orales y dedicados etnolingüistas dispuestos a recoger este acervo cultural, la mayor parte de esas narraciones se habrían perdido en la brutal erosión cultural que la colonización supuso para las comunidades amerindias. El ensayista, traductor y poeta canadiense Robert Bringhurst ha rescatado de antiguos anales antropológicos el resultado de uno de esos encuentros más felices, el que durante los años 1900 y 1901 reunió en el archipiélago de Haida Gwaii, frente a la costa occidental de Canadá, al etnolingüista John Swanton con dos extraordinarios narradores de la comunidad haida: Skaay y Ghandl. El trabajo de Robert Bringhurst, que considera estas obras parte de la mejor poesía oral que jamás se haya trasladado a la escritura, incluye extensas traducciones del haida, además de numerosos ensayos relativos a la poesía oral nativa, su trascripción y traducción, y la pertinencia de estas obras en el marco de la literatura del continente norteamericano.

Este dossier, coordinado por el poeta y traductor Nacho Fernández R., recoge una entrevista con Bringhurst –muy conocido también por sus estudios sobre la evolución de la tipografía– y un ensayo de este mismo autor donde se glosa la historia de algunos encuentros señalados entre narradores y transcriptores. El dossier se completa con un fragmento de un poema narrativo haida que Ghandl dictó a John Swanton: «En el poblado de su padre un muchacho se disponía a cazar pájaros».

Robert Bringhurst (Los Ángeles, California, 1946) es un escritor ampliamente conocido como estudioso de las culturas nativas de la costa del Pacífico en Norteamérica, y en particular de la poesía oral y el arte totémico de la comunidad haida. Además, Bringhurst goza de enorme prestigio en dos ramas profesionales emparentadas: la creación literaria y el trabajo editorial. Ha publicado más de una docena de poemarios, ensayos y traducciones. También es uno de los historiadores de la tipografía más conocidos del mundo, y su volumen Los elementos del estilo tipográfico ha sido traducido a una decena de idiomas.